Interview mit Manuela Toselli, Juli 2019

Warum entscheiden Sie sich für die Arbeit mit Seide? Gibt es für Sie sowohl einen symbolischen Wert als auch einen praktischen Nutzen?

Ich bin über die Malerei zur Seide gekommen. An der Kunstakademie habe ich informelle Malerei gemacht, und mein Augenmerk lag nur auf dem malerischen Medium. Das heißt, ich habe verschiedene Malmaterialien und Techniken kombiniert, um zu sehen, welche Effekte man erzielen kann.
Die Minen waren leere Bilder, in denen ich versuchte, einen Bruch zwischen meiner Dimension und der der Leinwand zu provozieren. Aber die Leinwand lehnte mich immer wieder ab und erlaubte mir nicht, meinen Punkt zu erreichen! Bis ich anfing, die flache Acrylmalerei auf eine eigentümliche Weise zu verwenden: Ich schnitt die bemalte Leinwand auf, um Kunst zu schaffen, indem ich die geschnittenen Stücke wieder zusammennähte und die Naht zum relevanten Element der Komposition machte, in ihrem grafischen Sinn. Eine Arbeit im Besonderen war grundlegend für meinen Übergang zur Seide: In dieser Arbeit verwendete ich meine neu erfundene Technik der bemalten und gesägten Leinwandfalten, aber diesmal entsprach jede Farbe einer präzisen Gruppe von Buchstaben, nämlich denen auf der Tastatur meines alten Handys, die damals von der Schreibunterstützung T9 verwendet wurden. Das Gemälde war das Ergebnis der farbigen Transkription eines Zeitungsartikels, in dem ein Mörder gestand, wie und warum er ein Mädchen getötet hatte. Das Werk trug den Titel „La Confessione Di Victor“ (Victors Geständnis) aus meiner Serie „Racconti“ und gewann 2009 den Preis „ARTE MONDADORI“ in Mailand, Sektion Bildhauerakademie.
Das waren die Jahre, in denen das italienische Fernsehen begann, Morde, Vergewaltigungen und diese Art von morbiden Ereignissen zu spektakulieren. Chroniken, in denen das Opfer nicht als wirklich relevant behandelt wurde, während der Henker der eigentliche Protagonist war und als böser Held hochstilisiert wurde. Der Schmerz der Familien und Freunde, die jemanden gewaltsam verloren hatten, war weniger wichtig als die Person, die ihnen diese Zuneigung gestohlen hatte. Zu dieser Zeit wurde diese Art von unmenschlichem Sensationsjournalismus zum Standard, um über diese Art von dramatischen Ereignissen zu berichten. Eine Leere, die meiner Meinung nach nur mit noch mehr Bestialität gefüllt wird, bis zu einem „point of non return“. Also fange ich an, über das Opfer und seine oder ihre unglückliche Rolle nachzudenken, und diese Überlegungen brachten plötzlich die Seide in mein Bild. Seide beginnt mit einer Opferung. Die Seidenraupe wird vor Abschluss ihrer Metamorphose getötet, um den Kokon zu erhalten, dann wird sie gekocht, um das Serizin mit heißem Wasser aufzulösen, so dass sich die Schlinge des Grates des Seidenfadens unbeschädigt und in voller Länge abrollen kann. Dieses Material wurde für mich sehr wertvoll, wegen seiner angeborenen metaphorischen Annahmen. In der Seide gibt es Opfer, Aufopferungen, gescheiterte und gelungene Metamorphosen – die vom Kokon zum Seidentuch. Es gibt ein Wesen in seinem Moment der extremen Zerbrechlichkeit und Verletzlichkeit. Es gibt einen Schutz – den Kokon – zur Isolierung und zum Schutz vor der Außenwelt. Es gibt das Paradoxon, dass genau dieser Schutz der Grund für das Opfer ist. Ich fühlte eine tiefe Verbindung zwischen ihm und meiner zerbrechlichsten Seite, weil man gerade wegen seiner Zerbrechlichkeit riskiert, der Außenwelt zu erliegen. Aber auf der anderen Seite ist es dank Ihrer Zerbrechlichkeit, dass Schönheit und Magie geschaffen werden können. Denken Sie darüber nach: Seide bleibt trotz all dieser leider schädlichen Aspekte ein lebendiges und sehr faszinierendes und elegantes Material, das wie von Zauberhand eine Vitalität und eine Temperatur bewahrt, die nicht zu etwas Totem gehören, genau wie wir dank unserer sensiblen und zerbrechlichsten Aspekte interessante und facettenreiche Wesen sind.  Es ist absurd, aber es ist wahr. Seide ist warm, während Malerei kalt ist.  Bei einem Workshop mit sehbehinderten und blinden Kindern wurde mir auch die Bedeutung der Temperatur dieses Materials bewusst, denn sie müssen das Material berühren und fühlen, um es wahrzunehmen. So wurde Seide zu meinem Medium, um Geschichten zu erzählen, für sehende und blinde Menschen. Alte Geschichten, neue Geschichten, persönliche Geschichten, öffentliche Geschichten, alle erzählt durch dieses organische Material, das das Innere vom Äußeren trennt, das Licht auf eine sehr lebendige Weise einfängt und reflektiert, das sich warm anfühlt wie ein Lebewesen, das kostbar, zart und fast ungreifbar ist, aber gleichzeitig stark, zäh und robust. Mein gewähltes Material, um über den menschlichen Geist zu sprechen, ausgehend von meinem.

In Ihrer Serie „In attesa che qualcosa cambi“ („Warten, dass sich etwas ändert“) haben Sie mit Seide auf Leinwand abstrakte und geometrische Strukturen geschaffen. Welche Themen umgeben diese Arbeiten und was wollen Sie uns mit dieser Serie sagen?

In der Serie „In Attesa Che Qualcosa Cambi“ untersuche ich das Thema des Bedauerns, indem ich Fetzen der Seidenkette verwende. Ich erzähle Geschichten, die nie passiert sind, eingefroren für immer auf der Oberfläche des Bildes. Alles begann vor einigen Jahren, als ich meine Zusammenarbeit mit einer Weberei in der Provinz Treviso in Italien begann. Dies löste in mir eine gewisse Entwicklung und Offenheit gegenüber meiner künstlerischen Arbeit aus, und dort konnte ich mich dem Weben von Seidengarn und der Rohseide nähern. Ich entdeckte Seiden, die ich nie auf dem Markt finden würde, weil sie aufgrund einiger ihrer inneren Eigenschaften als mangelhaft angesehen werden, die aber für mich sehr wertvoll wurden. Also beschloss ich, mit ihr zu arbeiten.
Der Moment des Übergangs von einer Kette zur anderen, in dem zwei verschiedene Farben oder verschiedene Arten von Seide durch sehr kleine Knoten miteinander verbunden werden, hat mich sehr fasziniert.  Beim Weben sind die Kettfäden die Fäden auf einem Webstuhl, über und unter denen andere Fäden (der Schuss) hindurchgeführt werden, um Stoff, in diesem Fall Seide, zu erzeugen – metaphorisch die „Geschichte“. Eine Kette, die auf einer Leinwand fixiert ist, ist also eine Geschichte, die nie passiert ist und nie passieren wird und die nie erzählt oder gelesen werden wird … man kann so lange warten, wie man will, aber es wird nichts passieren. Es ist ein nicht gelebtes Leben, und wenn man sich dessen bewusst wird, ist es bereits zu spät. Ein Bedauern, um genau zu sein.
Manchmal sind die Formen, die ich schaffe, reine Spannungen, Linien mit scheinbarer Perspektive, die zu keinem Fluchtpunkt führen. Andere Male schaffe ich einfache vertikale oder horizontale Linien, in denen man den Übergang von einer Kette zur anderen lesen kann, die für die Ewigkeit Geschichten zusammenbinden, in denen nie etwas passieren wird. Oder ein anderes Mal drehe ich die Verwerfung auf sich selbst zurück und schaffe geometrische Formen, aber alles bleibt bei dieser Aktion stehen, was nur die Fixierung, die Unbeweglichkeit des Ergebnisses bestätigt.

Woher nehmen Sie Ihre Inspiration als Künstler? Gibt es etwas Bestimmtes, das Ihre Arbeit inspiriert?

Ich lasse mich vom Leben inspirieren, weil ich denke, dass alles miteinander verbunden ist. Es ist schwer zu glauben, aber wir sind alle miteinander verbunden. Was ich lebe und erlebe, unterscheidet sich nicht wirklich von dem, was ein anderer Mensch leben und erleben kann. Meine Arbeit ist eine ständige Selbstuntersuchung, eine Form der Analyse, die es mir erlaubt, mich selbst zu beobachten, um mich und die Welt um mich herum zu verstehen und zu überwinden. Selbst wenn ich erkenne, dass bestimmte Dinge nicht überwunden werden können, weil sie tief in mir verwurzelt sind, selbst wenn ich sie kenne und verstehe, sind sie einfach Teil dessen, was ich bin. Dasselbe gilt für die Welt, aber da die Welt viel mehr Zeit zur Verfügung hat als ich, sind die Veränderungen dort möglich, auch wenn es einige tausend Jahre dauern könnte, bis sie wahr werden.

Könnten Sie uns mehr über Ihren kreativen Prozess erzählen? Wie kommt es zur Entstehung des Kunstwerks?

Nein, ich glaube, das kann ich nicht sagen… denn es gibt keine Regeln! Es ist eine Kombination aus verschiedenen Dingen, die die Entstehung eines Kunstwerks bestimmen. Kausalität, Gemütszustand, Antworten, die ich von der Arbeit erhalten möchte, sogar das Material, das ich verwende, könnte mir neue Wege eröffnen! Und natürlich die Kunstgeschichte und die Arbeiten einiger Meister der Vergangenheit, die ich mag und denen ich mich nahe fühle. Malewitschs „weißes Quadrat auf weißem Grund“ hat mich teilweise zu meiner Serie „Elogio al quadrato“ inspiriert, oder die Arbeiten von Vasarely brachten mich zur optischen Wirkung meines „Tessuto precario“, oder Carl Andre beeinflusste meine „Spazi di seta“ oder „Legami“ … nur um einige Beispiele zu nennen, aber eigentlich gibt es keine Regeln. Das Einzige, was ich fixer sagen kann, ist, dass ich immer herunterbreche, teile, in kleinere Stücke schneide, analysiere und neu zusammensetze, sogar in der Geste selbst, um zu verstehen. Große Dinge und Ereignisse erschlagen uns, überwältigen uns und vernebeln unsere Sicht, aber wenn wir sie auseinandernehmen, verkleinern, können wir sie greifen und beobachten, angefangen bei den kleinen

In Ihrer Skulpturenserie „Legami“ („Bindungen“) haben Sie einen starken Kontrast zwischen dem metallischen Spiegelsockel und dem Seidenkorpus der Skulptur geschaffen. Wollen Sie durch diesen Kontrast etwas Bestimmtes aussagen?

Stahl ist ein weiteres Material, das mich sehr fasziniert, vor allem im Vergleich zur Seide: Stahl ist kalt, hart und nicht organisch.
In meinen frühen Arbeiten der Serie „Legami“ waren Holzblöcke komplett mit grob geschnittenen Seidenstreifen bedeckt, die ohne Logik verflochten waren, und man konnte weder den Kopf noch den Schwanz des Gewebes sehen. In diesen Arbeiten analysiere ich die Bindungen, die jeder Einzelne im Leben hat. Wir werden gefühlsmäßig schwerelos geboren, aber mit dem Älterwerden sammeln wir Blöcke, deren Gewicht uns bremst. Diese Blockaden sind das Ergebnis von Traumata und Bindungen. In „Legami specchio“ analysiere ich das Wesen des Blocks, der uns von anderen offenbart wird. Der Betrachter, der sich im verspiegelten Stahl der Skulptur spiegelt, wird Teil des Werkes und offenbart, dass „Legami specchio“ all jene Verbindungen sind, in denen man sich in anderen spiegeln kann und sich selbst in ihren Blöcken und Verbindungen wiedererkennt und den anderen erlaubt, einen Teil von sich selbst zu offenbaren, der vorher vielleicht schwer zu sehen war.

Bitte erzählen Sie uns mehr über Ihre geometrischen Arbeiten, oder „Rigid Artworks“, wie Sie sie nennen, bei denen der Raum und die Formen viel rationaler und überlegter zu sein scheinen als bei den anderen Arbeiten.

In starren Arbeiten setze ich eine Form der Kontrolle ein, die ich zwangsläufig vermisse, weil ich versuche, den Stoff zu kontrollieren, der von Natur aus weich und frei ist. Das erzeugt in mir eine Art permanente Frustration, die ich endlos wiederhole, als Zwang zur Wiederholung. Ein Beispiel für diesen besonderen Aspekt sind die Arbeiten, die zur Serie „Weiche Geometrien begleiten die starren Linien meines Denkens“ gehören, in denen ich versuche, regelmäßige, geometrische Formen zu konstruieren, indem ich leichte kleine Quadrate aus Seidenorganza schneide, nähe und überlappe. Ich weiß, dass ich nicht alles kontrollieren kann, aber ich versuche es trotzdem. Wenn ich unweigerlich scheitere, spüre ich eine Art Unbehagen, das ich mir selbst aufzwinge, denn ich kann nicht ändern, was ich getan, was ich geschaffen habe, ich kann es nur akzeptieren.  Ich muss die Grenzen meiner starren Sichtweise akzeptieren und verstehen, dass ich mich nicht im Verlust der Kontrolle verliere, sondern in der immensen Anstrengung, die ich unternehme, um sie zu behalten, was nicht möglich ist. Eine Form von subtilem und raffiniertem Masochismus, der der Pathologie nahe kommen könnte, denn Perfektion ist nicht menschlich. Die geometrische Form, die ich bevorzuge, ist natürlich das Quadrat. In einem Quadrat sind alle Seiten gleich, keine überwiegt die andere, es ist eine stabile Form, perfekt in ihrer Regelmäßigkeit und gleichzeitig sanft. Ich kann es greifen. Der fliehende Kreis liegt mir ebenso fern wie andere Formen, die Unregelmäßigkeiten enthalten, wie das Rechteck oder die spitzen Dreiecke.
In meinen „weichen Arbeiten“ gebe ich mich stattdessen völlig hin, vergesse Kontrolle, Logik und Vernunft, und oft überrasche ich mich hier selbst, was ich durch Loslassen erreichen kann und wie sehr Unregelmäßigkeit angenehm und schön sein kann.

AUSGEWÄHLTE EINZELAUSSTELLUNG

2020
“Haloxylon” – Frankfurter Westend Galerie, Francoforte, Germania. A Cura di Westend Galerie.
2019
“Un filo di luce” – Civiero Art Gallery, Imperia, Italia. A cura di Francesco Civiero
“Intro” – Luisa Catucci Gallery, Berlino, Germania. A cura di Luisa Catucci
2018
“Il peso della polvere” – RC Contemporary, Torino, Italia. A cura di Riccardo Constantini.
“l’invisibile evidente” – Museo Civico “A. Pesaola” – Cormons, Gorizia, Italia. A cura di Chiara Tavella.
“…e diventare cuoio” – Biblioteca Civica of Pordenone. Italia. A cura di Chiara Tavella.
“No sense, no direction” – Museo Civico, Sale d’Arte, Alessandria. Italia. A cura di Matteo Galbiati.
2017
“Stratificazioni materiche” – Castel Negrino Arte, Aicurzio, Monza Brianza, Italia. A cura di Matteo Galbiati.
“Il decifrabile languore della trasparenza” – Villa Contemporanea, Monza, Italia. A cura di Matteo Galbiati.
2016
“Attraverso la mia pelle” – Centro Culturale Aldo Moro, Cordenons, Pordenone, Italia. Organizzata da Associazione Culturale Medianaonis, Pordenone. A cura di Chiara Tavella.
2014
“Deep White” – Sala della Torretta, Centro Comunale d’Arte e Cultura “Exmà”, Cagliari, Italia. A cura di Roberta Vanali.

AUSGEWÄHLTE GRUPPENAUSSTELLUNG

2020
“Una nuvola nel mio Giardino” – Frankfurter Westend Galerie, Francoforte, Germania. A Cura di Westend Galerie.
“Forma e colore” – Civiero Art Gallery, Imperia, Italia. A cura di Francesco Civiero
2018
“Sub-Track” – Villa Reale di Monza, Monza, Italia. A cura di M.AR.CO, Monza. Italia.
2017
“Equilibri Artistici”- Rope Gallery, Modena, Italia.
“Arteam Cup 2017”- Mostra finalisti – Bonelli Lab, Canneto sull’Oglio, Mantova, Italia.
“Premio Nocivelli”- Mostra finalisti – Chiesa della Disciplina – Verolanuova, Brescia, Italia.
2016
“Arteam Cup 2016”- Mostra finalisti – Palazzo Monferrato, Alessandria, Italia.
“La bellezza resta” – Heart Spazio Vivo – Vimercate, Monza Brianza, Italia. A cura di Simona Bartolena and Armando Fettolini.
“/a.stràt.to/” – Riccardo Costantini Contemporary, Torino, Italia.
“Innaturalismi”- MUST, Museo del Territorio of Vimercate. In collaborazione con “Heart pulsazioni culturali” Vimercate, Monza Brianza, Italia. A cura di Simona Bartolena e Armando Fettolini.
2015
“Arteam Cup 2015”- Mostra finalisti, Officina delle Zattere, Venezia, Italia.
“Aria – Progetto elementi”- In collaborazione con Consorzio di Villa Greppi, Monticello e “Heart pulsazioni culturali” – Vimercate, Monza Brianza, Italia.
A cura di Simona Bartolena and Armando Fettolini.
“Darkkammer” – Sala delle Volte, Centro Municipale di Arte e Cultura “Exmà”, Cagliari, Italia. A cura di Roberta Vanali and Efisio Carbone.
2014
“Contemporanea Mente” – Galleria E3 Artecontemporanea, Brescia, Italia.
“Materie” – Castello di Trezzo d’Adda, Milano, Italia. In collaborazione con “Heart pulsazioni culturali” – Vimercate, Monza Brianza, Italia. A cura diSimona Bartolena. “Incroci 13.14”- PArCO2, Pordenone, Italia. A cura di Francesca Agostinelli.
2013
“Fibrous” – Gallery W @ The Whit , Whitney Center for the Arts, Pittsfield, MA,USA. A cura di Nayana LaFond Glazier.
2012
“Idrografie”- Ex convento di San Francesco, Pordenone, Italia. A cura di Chiara Tavella
“Progetto Colori”- Centro Civico Sandro Pertini, Osnago, Lecco, Italia. In collaborazione con “Heart pulsazioni culturali” – Vimercate, Monza Brianza, Italia. A cura di Simona Bartolena.
“Temperaturambiente”- Magazzini del Sale 3, Venezia, Italia. A cura di Prof. Aldo Grazzi.
2011
“Essai(y) “- Magazzini del Sale 3, Venezia, Italia. A cura di Prof. C. Di Raco.
2010
“Bé-sotto la pelle”- Magazzini del Sale 3, Venezia, Italia. In collaborazione con Galleria A+A, Venezia, Italia.
“Arte e scienza”- Peggy Guggenheim Collection, Venezia, Italia. A cura di Prof. A. Grazzi.
2009
“Premio Arte” – Mostra finalisti – Palazzo della Permanente, Milano, Italia.
“Nuovi Orizzonti in Laguna”- con il supporto della Regione Veneto, Accademia di Belle Arti di Venezia e Biennale di Teatro, Centro Culturale Borges, Buenos Aires, Argentina. A cura di Ivana D’Agostino.
2006
“In Notte Placida”, Centro d’Arte Contemporanea di Villa Manin, Passariano, Udine, Italia. A cura di Prof. A. Grazzi.
2005
“51° Esposizione Internazionale d’Arte, Biennale Arte di Venezia” – Giardino Scarpa, Venezia, Italia. A cura di Prof. A. Grazzi.
“Autoritratto”, Chiesa di San Francesco, Civici Musei, Udine, Italia. A cura di Prof. E. Comencini and Prof. A. Grazzi.
1995
“World Gold Council” – International Jewellery Fair, Vicenza, Italia.

PREISE

2017
“Arteam Cup 2017”- Finalista – Bonelli Lab, Canneto sull’Oglio, Mantova. Italia.
“Premio Nocivelli”- Finalista – Chiesa della Disciplina – Verolanuova, Brescia, Italia.
2016
“Arteam Cup 2016”- Vincitore Premio Speciale – Città di Alessandria – Palazzo Monferrato, Alessandria, Italia. “Arteam Cup 2016”- Finalista – Palazzo Monferrato, Alessandria. Italia.
“NoPLace 3” – 49° Premio Suzzara – Mantova, Italia.
2015
“Arteam Cup 2015” – Finalista – Officina delle Zattere, Venezia, Italia.
2010
“Talent Prize 2010”, Prize for Contemporary Visual Arts Roma, Italia. Honorable mention for Manuela Toselli. 2009
“Premio Arte Mondadori”, Cairo Editore, Milano, Italia. Priomo Premio – Categoria Scultura – Accademia.

ARTIST RESIDENCIES

2017, “I feel Blue” – Valico Terminus. A cura di Nila Shabnam Bonetti e Giovanni Cervi, Ramiseto (RE), Italia. Sala Polivalente- Ramiseto. Italia.
2016, “Valico Terminus”. A cura di di Nila Shabnam Bonetti e Giovanni Cervi, Ramiseto (RE), Italia.
2013, “Lijalent Artist Residency” in Maribor, Slovenia.